拉斐尔定律起源，音乐是谁创造的

http://baike.baidu.com/view/5434.html?wtp=tt (参考资料)人类社会从什么时候开始有了音乐，已无法查考。在人类还没有产生语言时，就已经知道利用声音的高低、强弱等来表达自己的意思和感情。随着人类劳动的发展，逐渐产生了统一劳动节奏的号子和相互间传递信息的呼喊，这便是最原始的音乐雏形；当人们庆贺收获和分享劳动成果时，往往敲打石器、木器以表达喜悦、欢乐之情，这便是原始乐器的雏形。 一、弦乐器的起源传说 墨丘利（Mercury）是希腊神话中诸神的使神。据说他在尼罗河畔散步时，脚触一物发出美妙的声音，他拾起一看，发现原是一个空龟壳内侧附有一条干枯的筋所发出的声响。墨丘利从此得到启发，而发明了弦乐器。虽说后人考证在墨丘利以前就已经有了弦乐器，但也可能是由此得到了启发。 二、管乐器的起源传说 中国古代历史记述了距今五千年前的黄帝时代，有一位名叫做伶伦的音乐家，他进入西方昆化山内采竹为笛。当时恰有五只凤凰在空中飞鸣，他便合其音而定律。虽然这一故事也不能完全相信，但是，可将其看做是有关管乐器起源的带有神秘色彩的传说。 三、中国古代音乐 中国最初的帝王———黄帝，是五千年前创造了历法和文字的名君。当时，除了前述的伶伦之外，还有一位名叫“伏羲”的音乐家。据说伏羲是人首蛇身，曾在母胎中孕育了十二年。他弹奏了张有五十弦的琴，由于音调过于悲伤，黄帝将其琴断去一半，改为二十五弦。 此外，在黄帝时代的传说中，还有一位名为神农的音乐家，他教人耕作，并发现了医药，据说是牛首人身。他创造了五弦琴，如果设想当时的音乐是使用五声音阶，那么这是理所当然的。

“音乐”一词的由来 甲骨文是中国古老的象形文字。甲骨文的“音”字，上半部好像一只管乐器，下半部像是个口字，合起来就是口吹管而发出“音”。在商代“音”与“言”通用。甲骨文的“乐”字，上方是丝，下方是木，这正是丝弦乐器的形状，比如说琵琶的弦正是附在木箱上的。 在什么时候，音和乐这两个字连起来成一个词的呢？从资料上看，最早有文字记载的是战国晚期的一本书《吕氏春秋.大乐篇》，书上有这样一句话：“音乐之所由来者远矣。”当时所讲的音乐，大约是指诗歌、音乐和舞蹈统一的载歌载舞的综合艺术。由于种种原因，作为独立艺术形式的音乐，在中国发展的较晚，本世纪初“音乐”一词才在中国书籍中广为使用。 在西方，音乐这个词的由来是这样的，music在古希腊语中写作mousike，是从mousikos一词变化来的，意即“属于缪斯的”。缪斯(Muses)是希腊神话中司音乐、文学、艺术、天文、科学等的9位女神的总称。 人类在各种各样的社会活动中创造了音乐。（个人以为楼主可以找一本《音乐发展简史》看看。）

我们的生活离不开音乐，但到底是谁发明了音乐？关于这个问题的答案，几千年来，有许多种说法。 有人说，音乐是神创造的。古希腊有个哲学家拉柏图认为，音乐家“只是神的代言人”。天上有个主管音乐与诗词的缪斯女神，她附在音乐家的身上，给音乐家以灵感，召唤音乐家去创作，于是人间才有了音乐。中国古书《山海经·大荒西经》说，夏禹的儿子夏后启是个半人半神的英雄，天帝非常敬重他，经常邀他上天赴宴，而每次宴请时都要演天乐助兴。天乐极其美妙动听，夏后启把它偷偷记下带回人间，于是，人间就有了音乐。 有人说音乐起源于摹仿。古希腊哲学家德谟克利特说：“从蜘蛛那里我们学会了织布和缝针；从燕子那里学会了造房子；从天鹅和黄莺等歌唱鸟那里学会了唱歌。”我国古代也有这种说法，《吕氏春秋·古乐》一书中说，音乐起源于“听凤凰之鸣”，“效八风之音”。 有人说音乐起源与游戏。英国哲学家斯宾塞认为，人是高等动物，不同于一般低等动物。低等动物要把全部精力用于维持和延续生命，而人类则在维持和延续生命之外，还有过剩精力，于是在游戏中便创造了音乐。 那么到底是谁创造了音乐艺术呢？我国著名音乐家扬荫浏所著中国古代音乐史稿》一书中说：“音乐起源于劳动。”这个回答完全符合马克思提出的“劳动创造了美”这一美学论断。恩格斯说：“只是由于劳动……人的手才达到这样高度的完善，在这基础上，它仿佛凭着魔力似的产生了拉斐尔的绘画，托尔瓦德森的雕刻以及帕格尼尼的音乐。” 早在两千多年前，我国就有人注意到，歌曲是出于劳动的呼声。刘安在《淮南子》一书中说：抬大木的人，前面的人喊出“邪许、邪许”的声音，后面的人也跟上去喊着，这就是在抬重物的劳动中所产生的歌曲。我国伟大的文学家鲁迅在《门外文谈》中说：“我们的祖先原始人，原是连话也不会说的，为了共同劳动，必须发表意见，才渐渐地练出复杂的声音来，假如大家抬木头，都觉得吃力了，其中有一个叫道‘杭育杭育’，那么，这就是创造……” 总的来说，音乐不是神创造的，而是人类创造的，是人类在劳动中创造并发展起来的。

你是问音乐中的各个不同的音高呢？还是问谱面上像蝌蚪一样的音符？ 先说前者，音乐中的各音不是创造的，是利用自然规律，即保持一定频率规律地振动体发出的声音人耳听上去有音高感。在任意一个频率上振动都会有这种保持某个音高的感觉，所以，严格地讲，不同的音高有无穷多个，人们只是通过长期的实践和根据审美习惯的选择选取了无穷多个音中的有限个作为音乐中的音来使用。 由于技术的进步，音乐中的使用的各音在不同的时代是变化的，每个时代都有自己的标准音高，它们是和某些固定的振动频率挂勾的，随着生产的发展和科技的进步，这些固定作为标准的音高越来越高，音乐中用到的音域也越来越宽，高音渐高，低音渐低，向两边扩展。 在不同的地区，由于各民族审美习惯不同，所以各地区音乐有民族特性，在选用的音高上也各有不同。只是1234567这种形式的音阶由于历史的原因普及得最广，其实音阶的组织形式远不止这一种。 所以说，音乐中的各音是人们在声学的自然规律作用下，从无数个音中筛选的。从自然界的声音中发现规律，并以这种规律作为筛选的基础，经过长期的实践得出的。至于这些规律具体是什么以及筛选的过程，详见缪天瑞《律学》。 如果你是问乐谱中用于记音的那些音符是怎么来的，那确实是人创造的。由于简谱是线谱的衍生物，所以只说线谱的历史。 简而言之，线谱是从外国和尚念经的实践中来的。约一千年前左右，西方专业音乐的早期形式——圣咏出现了。其实，就像中国的和尚在念经时会有旋律，像唱歌一样，圣咏就是从吟诵拉丁文的圣经发展来的，是教堂里的诗班在念经时慢慢唱出旋律来的过程。但当时没有记谱的方法，所以这种唱诵只能口传，会的教给不会的。由于圣经内容很多，每部分唱法又不一样，所以会唱的人就在圣经的字里行间记一种高高低低的提示标记，这样在会唱的人看到的时候，就能想起来怎么唱，但是它不具有记谱的意义，不会唱的人看到仍不知怎么唱。 由于各音有高低不同，会唱的人就在音节的上方标一些高低不同的小疙瘩。后来需要标高低程度逐渐复杂，为了区分高低，就把高度一样的音节上的小方点标在相同的高度上。这样的逻辑促进了“线”的产生。为表示相同高度的音，区别不同高度的音，唱诗班的人开始在小方点中画线，开始时只有一条横线，为简单区别高低。后来为了精确区别各音高低，就开始加线，加到两条，三条，加到四条线后稳定了相当长的一段时间，最后，大约五百到六百年前时，五线谱基本形成了。 由于早期圣咏没有节拍，唱时节奏是自由的，所以早期的记谱没有节奏信息，音符就只有“符头”那个小疙瘩，没有符干和表示节奏的符尾。后来随着音乐的发展和丰富，规定的节奏产生后，才加上了符尾，以表示节奏。 参考资料：《律学》《西方音乐史》

拉菲尔定律就是埃菲尔铁塔自然形成的时候的自然公式,由拉斐尔定律延伸出拉菲尔曲线 (The Laffer Curve) .大致的内容就是：资金通过金字塔形的分级累加,达到1.在20世纪70年代,年轻的经济学家拉菲尔提出了一个奇怪的看...

素描需要的工具：1、铅笔铅笔是最简单而方便的工具，初学者素描常从铅笔开始，主要原因是铅笔在用线造型中可以十分精确而肯定，能较随意地修改，又能较为深入细致地刻划细部，有得于严谨的形体要求和深入反复地研究。2、炭笔炭笔以不脆不硬为度（也有硬软之分），炭条以烧透、松软笔黑色为佳，炭精棒以软而无砂称上品。炭笔在纸上画上后，具有一定的擦除难度。与铅笔比较，炭笔颜色更黑、浓，但也更难擦除。因此，炭笔对于铅笔而言，具有更好的艺术表达效果及绘画难度。3、钢笔包括一切自来水型硬质笔尖的笔。使用日常书写的钢笔绘画也可以，一般都作一点加工，将钢笔尖用小钳子往里弯30度左右，令其正写纤细流利，反写粗细控制自如。4、纸洁白、厚净、有纸纹的纸。铅笔画纸不宜纸纹太粗，炭笔画纸表面不能太光滑，而钢笔画纸纸却要较光滑的纸面，还要有一定的吸水性。5、画板以光滑无缝的夹板为最好。如果站着面画，还要备一个画架。6、橡皮以平、软的方形橡皮为好。以及橡皮泥，橡皮泥便于变换造型，因此适用于多样的擦拭，但清洁修改能力一般。7、削笔刀、图钉、擦布等工具备用。扩展资料：素描是一种用绘图工具使其表现在二维材质上的视觉艺术和造型艺术，它的目的是在两维的纸面上创造三维的立体形态。以素描表现的目的而言，素描一般用作提高造型能力和观察细部的基本绘描练习，或作为创作前的整理或局部草稿练习。起源：素描的历史可追溯至西班牙阿尔塔米拉洞窟的壁画、中国花山岩壁画和非洲的许多原始壁画，此时素描仍不是一种独立的艺术形式。到了14世纪末，美术各大技法逐渐出现、完善、形成系统，素描演变成了一种独立的艺术形式。15世纪，素描开始成为美术教学手段。阿尔卑斯山以北的国家形成了严密精确的素描风格，文艺复兴时期自由奔放的意大利则截然不同。17世纪，意大利历史开始进入转折。1590年创立的波伦亚学院强调美术的最高标准：格累乔的风韵、拉斐尔的素描、威尼斯画派的色彩等，强调法则、重素描轻色彩，素描的地位得到了更大的提高。20世纪后，素描形成了独立的画种，各类流派纷纷出现，有效促进了素描的多元化。代表有现实主义画家列宾和现代主义画家毕加索等。参考资料来源：搜狗百科-素描

我学素描学了5年，应该算长的吧~如果是初学者的话，应准备以下一些画具。1.铅笔：铅笔是必不可少的。可以准备HB,2B,4B,6B,8B的铅笔各若干支。还可以备上B,3B,H,2H,3B,5B的笔，但不需太多。等你学到后面了，你们老师自会让你增添画具的。铅笔最好买“马可”的，蛮好用的，也不贵。我们这里是6元1盒，每盒12支。2.素描纸：初学者的话不需要买很好的，中艺的，杭丽的，莫奈的都蛮不错的。大概8元一包，每包20张。3.橡皮擦：橡皮擦可以买“老人头”的，一般来说是1.5元-2.0元不等。各地价格不一，挺好用的。4.橡皮泥：橡皮泥用的不多啦~2块钱的就差不多了，可以买“马可”的和“达芬奇”的。5.胶带：一般来说初学者用透明胶带就好了。当然，你也可以去买一卷水溶胶带试试看，北京是4元一卷，很大一卷，不算贵。水溶胶带和透明胶带的区别就是，水溶胶带可以把纸绷得更紧。但是，水溶胶带用起来比较麻烦，你可以去向你老师请教。6.画板：可以准备一块4开的木板和一块写生的画板，最好也是4开的。15元左右一块。7.图钉：图钉可买可不买，它和胶带一样都是用来固定纸的。2块钱1盒。8.小刀：最好不要买塑料壳的，其他的都还可以。2元左右一把，也有贵的啦。9.书：一开始的时候买一到两本好的书就好了，不要嫌贵，一定要买精的。我向你推荐央美附中的，那一系列的书都很好，我一直都在用。素描是30多块钱一本。10.炭笔：其实刚开始的时候根本不需要炭笔，但我还是说一下好了。炭笔比铅笔容易出效果，但炭笔不容易做细，除非你很厉害。如果你要买，就买“斐尔”“库尔贝”的好了。“马可”的也不错啦~大约20元一盒，也是一盒12支。好了，我就不罗嗦了，祝你成功！

学素描要认识素描三大面，分别是亮面、暗面和灰面；除此之外还有五大调子，包括高光、亮灰部、明暗交界线和反光、投影。更多的素描绘画方面的知识可以看下轻微课平台，比较多。下面我们来讲下：一个几何图形在侧面光的情况下，那其产生的明暗调子就有三大部分：受光部分、背光部分、明暗交界线。这就是我们说的三大面五调子指的是有一定形体结构、材质的物体在受光影响后，在自身不同区域所体现的明暗变化规律。高光：一般是物体直接反射光源的部分，最亮的点。明暗交界线：区分物体亮部与暗部的区域，（明暗交界线的形状、明暗、虚实可以随物体结构转折发生变化）亮灰部：高光与明暗交界线之间的区域。反光：物体背光部分受所处环境的反射光影响的部分。投影：物体本身遮挡光线后在空间中产生的暗影。知道这些基本的知识才能开始素描，然后选工具等。

我也是学画的，个人推荐：1.铅笔。需要的有：HB\B\2B\4B\6B\8B，其中的2B、4B十分重要，是起稿以及刻画暗部的笔。HB是刻画亮部的笔，起稿不用（因为太硬），8B是暗部起稿抹黑用的，新手不会这个技巧可以不用。铅笔很便宜，几毛钱一支，建议多买几支，尤其是2B、4B。2.橡皮。1），一般绘图橡皮，用来“擦”的，质感柔软一些好，不伤纸。一般2元~4元一块。2），胶体橡皮（橡皮泥橡皮），用来“吸”的（亮部辅助，暗部小面积点缀，大面积慎用。）价格与前者差不多。3.素描纸或铅画纸。价格按克数不同而不同。克数越高质量与笔感越好，但也越贵。4.画板。一般10~30元一块（空心的那种），实心的上百元都有。5.如果需要携带纸张，可以再购画夹（画夹可以代替一部分画板的功能，前提是纸张够厚，不会印出画夹的纹路。）20~50元。也可以添置画筒。15~40元6.一般可以将画板放在椅子上画画，如果你很想要画架，也可以买一个。简易伸缩便携的，30元起。木质的，80元起（可能也有便宜的）。7.需要的话，准备一支大毛笔，用来掸橡皮灰。多画多练，培养兴趣，最终会画好的。

我是艺术类大学生，曾经教过学生铅笔： 初学者铅笔 用到 8B 6B 4B 2B HB B数越高的铅笔越软，容易上色，也容易改，不易破坏纸面。 从HB开始有H 2H 3H......到6H 这些是硬铅笔，很难画黑，初期在手法控制能力不成熟时不建议使用。铅笔品牌： 建议在联系阶段使用中华牌铅笔，购买时尽量买过塑10支包装，因为是长期使用，一次买几支就太麻烦了，而且买散装容易买到假货，会比较难用。其他牌子的铅笔建议不要用的太多，有些铅笔是含碳的，很黑但是破坏纸面，不易修改，有些则颜色较灰不容易画黑，而且部分不同牌子的铅笔有时后是不能混着用的，会造成其中一种笔不上色。而且如果遇到考试，中华的铅笔100%可以买到，其他的就未必了。橡皮： 没有过多品牌要求，我一直使用一种纸套包装的4B橡皮，橡皮上印有银色字，用手一擦就可以擦掉。4B橡皮比2B橡皮软，擦的干净些，也不易把纸擦破。炭笔： 主要用于速写，也可以用来画素描，但是比铅笔难操控。 本人多年前比较中意 艺高炭笔，现在已经不行了。炭笔牌子很多，很难比较，而且每一批货都有所不同。建议软炭笔和中性炭笔混着买，体验下那种更顺手，也多试几个品牌，软炭笔和中性的也可混着用。不建议用硬炭笔，我曾经用硬炭笔把纸画破了。因为速写用线有时讲究力透纸背！一下为最低预算：铝合金画架，23元，笔25元，画板（长期使用的）买就买个好点的大板17（我买的是速写夹，两层折叠，像本书样子的）21元。4开纸一带好点的5元一袋，差的2元一袋。笔袋可以用个盒子代替，我是在超市买的香皂套装盒子大小刚好，还有锁扣。铁夹3元，刀5元（比较好的）橡皮2元 速写纸一本1元总计不到100元钱 还有什么不明白可以直接问我，我是在校艺术专业大学。即将毕业。

拉菲尔定就是拉斐尔铁塔自然形成的时候的自然公式.. 由拉斐尔定律延伸出拉菲尔曲线 (The Laffer Curve) ：20世纪70年代，年轻的经济学家拉菲尔提出了一个奇怪的看法：对边际收入和资本减税，可获得更多的税收。理由是，减税将产生更多资本，提高企业和员工的生产率，整体经济将增长。这是过去20年美国持续繁荣的原因。 拉菲尔定律大致的内容就是：资金通过几何倍增、五级三晋制和出局制的分级累加，达到1160人时就可以实现这个目标了，出局者拿走1040万元的同时，还有相当一部分资金留在了系统内，再通过不断的升级（本项目就是从3800元升级到36800元再到现在的69800元的），以后面的超额资金来弥补前面所形成的亏空，由于计算比较复杂，这里我就不详述了。不过以我目前的知识，还是能够理解这样的分配模式的，只要项目还在延续，这个游戏就永远能够玩下去。而当这个项目因某种原因一旦终止，最后出现的亏空将会由最初形成的结余和通过国家财政补贴来弥补。当我问到国家财政为什么会补贴此项目这个问题时，她说其实每进系统一笔钱的同时，交给了国家45%的税收，国家叫停项目当然是有责任补贴的，况且国家拿了这笔钱投资肯定也是有收益的，拿出资金来弥补也是天经地义的。如果一切进展顺利的话，到最后项目进入的门槛也将越来越高，人数也会越来越少，倍数也将越来越低。 因为这个项目是利国利民利己的，对国家是有百利无一害的，所以国家不会取缔、也不会终止的。国家通过这个项目达到一个地方的经济增长级的目的，然后由经济增长极带动其他地方的经济达到跳跃式发展。项目的漏洞和亏空只能通过提门槛的模式逐渐缩小漏洞，最后改变模式通过立法，立法后有国家通过后人补漏洞。中国经济就是要整体强盛，首先要发展沿海、西部、中部，达到民富国强的目的。

油画（an oil painting; a painting in oils） 是以易于油剂（亚麻仁油、罂粟油、核桃油等）调和颜料，在亚麻布，纸板或木板上进行制作的一个画种。作画时使用的稀释剂为押发性的松节油和干性的亚麻仁油等。画面所附着的颜料有较强的硬度，当画面干燥后，能长期保持光泽。油画是西洋画的主要画种。 源流 [编辑本段] 600年前起源于欧洲，大约15世纪时由荷兰人发明的，用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或板上作画，因为油画颜料干后不变色，多种颜色调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。油画适合创作大型、史诗般的巨作。成为西方绘画史中的主体绘画方式，现在存世的西方绘画作品主要是油画作品。绝大部分壁画作品也是用油画颜料和创作方式制作的。19世纪后期，由于科技发展，许多新材料应用于油画领域，如丙烯颜料，油漆等。 发展 [编辑本段] 　　油画发展初期的历史条件奠定了古典油画的写实倾向。15世纪的欧洲文艺复兴运动中，人文主义思想出于对宗教的批判,有着关注社会现实的积极要求,许多著名画家为逐渐摆脱单一的以基督教经典为题材的创作，开始对当时生活中的人物、风景、物品进行观察和直接描绘，使宗教题材的作品含带明显的现实世俗因素，有的画家完全描绘现实生活的实景。文艺复兴时代的画家继承了希腊、罗马的艺术观念，即不仅注重作品要描述某一事件或事实，还要揭示出事件或事实的前因后果，于是形成了注重构思典型情节和塑造典型形象的艺术手法。与此同时，画家还分别探索解剖学、透视学在绘画中的运用、画面明暗分布的作用等，形成了造型的科学原理。 　　人体解剖学的运用使绘画中的人物造型有了如同真实般准确的比例、形体、结构关系；焦点透视法的建立使绘画通过构图形成幻觉的深度空间，画中的景物与现实中定向的瞬间视觉感受相同；明暗法使画中的物象统一在一个主要光源发出的光线下，形成由近及远的清晰层次。人文主义的艺术主题与追求写实的造型观念在其他画种中所以不能完善，是因为工具材料的限制，而油画工具材料性能正适于将二者充分体现出来。因而，古典油画成为经长期制作的、高度写实的面貌。 　　古典油画在整体上是油画语言诸因素共时综合运用的结果，但不同国家、不同时期的艺术家在此基础上对某一个或几个因素特别注重，形成了不同的风格。文艺复兴时代的意大利画家比较注重明暗法的运用，画中景物的暗部统一笼罩在阴影中，明暗交界线呈柔和的过渡，造就了画面集中而浑然的效果。L.达·芬奇的《岩间圣母》是这种风格的代表。同时期的尼德兰画家则清晰地刻画画中景物各个细部，景物之间是色彩的差别而非明暗的过渡，R.康平的三叶祭坛画《受胎告知》就细致地呈现室内外的所有景物。意大利的提香是第 1个特别注重油画色彩表现力的画家，他在暗底子上作画，并常用明度接近、色相略异的明亮色彩构成富丽堂皇的金黄色调，透明颜料的多次复叠，忽厚忽薄的笔法，又使色彩与形体有机溶合，造就出质感效果。 　　17世纪是欧洲古典油画迅速发展的时期，不同地区、国家的画家依据自己生活的社会背景、民族气质，在油画语言上进行了不同的深向探索，油画的种类按题材划分为历史画、宗教故事画、团体肖像、个人肖像、风景画、静物画、风俗画等。油画技法也日臻丰富，并形成了各国、各地区的学派。 　　17世纪的一部分油画强调了油画的光感，运用色彩冷暖对比、明暗强度对比、厚薄层次对比进行光感的创造，形成画面戏剧性气氛。意大利画家卡拉瓦乔打破了他之前油画中有序和谐的光感效果，他强化画面上明暗的对比，往往用画面背景平面的大片暗部衬托前景明亮的人物,令人感到画中光线耀眼。西班牙画家El.格列柯将景物处理成处在斑驳的光影之下，他不是从明暗两大体面，而是从间断错落的明暗分布进行造型，色彩的冷暖也形成间断的连续变化，用笔凝重，色彩层面在挤压中互相渗化，画面给人扑朔迷离的效果，有的甚至充盈着神秘与不安的气氛。荷兰画家伦勃朗也把画中的光感作为表现人的精神状态的一种手段，他所作大量的人物肖像中，人物都处在大块暗部的笼罩中，唯表现神情的脸、手等重要部分显出鲜明的亮度。他运用沉着的颜色在暗部多层薄涂，使暗部显得深邃，画亮部则用厚涂和画刀堆色法，造成厚重的体量感。 　　同时期，笔触的运用也被许多画家侧重探索。笔触是带有颜料的油画笔在画布上运动的痕迹，早期油画全幅各部分颜料层厚薄比较一致，运笔力度均匀，几乎不显露出笔触。17世纪的画家注意到笔触的运动受创作时心境和情感律动的驱使，画家在作画时能产生控制笔触动势的情感，笔触的轻、重、缓、急和运动方向不仅使被塑造的形象显出生动感，笔触自身也具有艺术表现力。 　　佛兰德斯画家P.P.鲁本斯在众多的巨幅作品中运用饱蘸稀薄明亮颜色的大笔涂绘，依照人物的形体运笔，留下自由奔放、多呈曲线的笔触，造成了体态的强烈动势和故事情节的戏剧性冲突。荷兰画家F.哈尔斯则运用轻快、灵活的笔触描绘肖像，使肖像具有人物神采未消的生动感，与他偏于表现豪迈、乐观的人物相辅相成。另一个荷兰画家J.维米尔善于用珍珠般细碎的、圆润的笔触描绘处在室内的人物，使画面产生宁静、温暖的气氛。油画的发展在19世纪有了新的趋向，主要是油画色彩的变革。英国画家J.康斯特布尔最早直接用油画在室外写生，获得丰富的色彩感受，他在局部用细小笔触并置颜色，使之混合成较鲜明的色块，画面较古典的褐色调子明亮得多。色彩的补色——色轮两极的颜色在并置时能互相提高明度和强度的原理，是在后来被科学认识的，但康斯特布尔凭借对自然的观察感性地获得了补色原理，并在实践中部分地运用。他的作品启发了法国画家E.德拉克洛瓦。德拉克洛瓦以浪漫主义思想支配创作，根据当时的历史事件创作大幅主题画。他将补色关系更多地运用于创作的色彩表现，运用活跃的笔触，在画面的许多部位形成色彩的对比，增强了色彩的明亮度和华丽感，形成了震动当时画坛的风格。法国巴比松画派的许多画家在不同的自然气候条件下进行风景写生，认识到景物光源色、固有色和环境色之间的关系，认识到色调对于体现时间、环境、气氛，烘托艺术主题，构成画面意境与情调的重大意义。他们大量的风景创作画出了大自然风、雨、晨、暮等特定的色彩气氛。在此基础上，法国印象主义画家在色彩运用方面作出了具有创新意义的贡献。他们吸收了光学和染色化学的成果，以色光混合原理解决油画的色彩问题。C.莫奈、A.西斯莱等画家捕捉外光景物表面光线变化给人的色彩瞬间印象，用细碎笔触的厚涂法将对比色并置，他们认识到暗部或阴影并非黑色的浓淡变化，改变了用调和过的单一色彩画暗部的传统作法，在暗部和阴影部位也用色点并置。由于视觉生理的作用，并置的色点在一定距离外看去是透明的、有冷暖倾向的色块，并形成微妙的过渡。印象主义淡化了景物的体积感，强化了色彩因素，不再依靠明暗和线条形成空间距离感，而依据色光反射原理，用色彩的冷暖形成空间。印象主义的作品出现了前所未有的鲜明与生动，也表明色彩既有综合的、也有纯粹的表现力。 　　19世纪的欧洲油画出现了有明确艺术主张的流派，虽主要体现在艺术主题和内容上，但油画技法也相应各具面貌。如新古典主义注重油画中物象造型的严谨与坚实感，符合古典传统的造型法则；浪漫主义围绕悲剧的主题，力求以色彩、笔触因素和构图中运动式线条创造画中情节的紧张感；拉斐尔前派注重对画中人物心理情绪的表达，较多画面以青、紫、绿调子构成感伤的、静寂的意境……。虽然近代油画的面貌已经比较丰富，但都具有写实的整体特征，它们共同表现为：一幅油画是艺术形式的统一体，色彩的主调统一着画面各局部的颜色，局部色彩在过渡的渐变中互相形成和谐的关系，不存在孤立的色块；笔触基本上是为塑造形象而运用，显露的程度有限，并统一在或曲长、或短促的某种有序倾向中；被描绘的物象统一在中心焦点的构图中，形成与真实视域同构的效果。 　　从19世纪末叶开始，西方油画发生了根本性变化。传统油画比较狭窄的艺术功能和一体化的写实手法已经达到自身体系的高度饱和，因而在哲学观念、艺术观念的变革中趋于解体。油画不再以模仿自然、再现自然为艺术创造原则，艺术家自由构造的油画艺术形象被视为新的真实。艺术家不再通过油画形式如实描绘自然，而将油画形式作为表现自己精神与情感世界的媒介，以想象、幻想等方法构造作品。印象派之后的三位画家率先离弃了传统油画模式。V.凡高以疾急奔放的笔触，使浓厚、明亮的色彩充满强烈的力感，表现内心情绪的不安。P.高更以象征的色彩和造型构成画面，作品的空间与传统的形式相违，具有非描述性的神秘气氛。P.塞尚探研用几何形构成艺术形象，创造出画面是一个富有自身秩序的世界。他们的作品成为油画面貌剧变的标志。 　　在20世纪油画中，由不同的艺术观念形成了不同的流派,并制约艺术形式呈现多种倾向,传统油画技法中的某方面因素往往作为艺术观念的形式体现被强化，甚至被推向极端，油画形式语言受到高度重视。例如：忽视色彩而主要作形体自由构造的立体主义；注重色彩强烈状态中均衡效果的野兽主义；通过色彩和笔触的无序使用表现扭曲心理的表现主义；纯粹以色彩的点、线、面构成画面的抽象主义；以及将颜料随意甩、泼、垂滴于画布上的抽象表现主义等。近百年来西方现代油画流派纷繁，相继更替，只要以油画工具材料为造型媒介，艺术家可以创造任意的油画面貌。 随着艺术观念的不断扩大，导致油画材料与其他材料相结合,产生了不归属某一具体画种的综合性艺术,油画因此也走向失去在西方作为主要画种的地位的趋势。